A L@S COMEDIANTES de la FABRICA de TEATRO IMAGINARIO

por Ander Lipus

 Nota para la lectura de los siguientes apuntes:

Las explicaciones técnicas están recogidas de las clases sobre actuación que impartió Jose Pedro Carrión en el Laboratorio de Teatro William Layton durante el curso 1991-92. He realizado una síntesis de las notas mas importantes y que a mi parecer, son esenciales en el trabajo apriorístico y de investigación del actor/actriz para la creación de un personaje teatral. Aunque el resultado estético de mi trabajo sea diferente, creo que es imprescindible el trabajo técnico del actor/actriz (sea cual fuere su método) y el personal. Espero que leáis detenidamente estas notas, sabiendo que el aprendizaje del arte teatral debe ser continuo y disciplinado durante toda la vida. SALUD  y CAOS.

*Hay que mantener una actitud de rompimiento de cabeza hasta encontrar lo que se busca.

*Hay que saber en qué se está trabajando para saber si se ha hecho bien o mal el trabajo, saber que piensas de lo que has hecho, que lógica hay, saber que estás haciendo.

*¿Que es lo que hay que entender? En TEATRO, entender es hacer.

*Lo único que tenemos es lo que está pasando.

*Compromiso con lo que se hace.

*Un actor/actriz tiene que tener unas necesidades, querer saber algo, aprender algo. Eso es lo que le mueve.

*Actor-actriz, es el que quiere hacer algo y lo hace.

*No trabajes para hacer una escena, trabaja tú para resolver tu problema. Que tienes que hacer para que lo que haces sea fundamental para ti. Tienes que organizarte tu vida. La esencia y la naturaleza del conflicto no la conoces. Tú eres la que lo tiene que encontrar. Eres tú la mas importante.

*No trabajes para hacer una escena, trabaja para resolver tu problema. No estas “aquí” realmente, ni persigues realmente. Te olvidaste de tí

*Actívate tú. No esperes que alguien te diga lo que tienes que hacer. Busca tú. Lo que no sabes debes encontrarlo, si te dan la solución no sirve de nada.

*La técnica no es nada si no estás tú.

*Trata de ser mas limpio en lo que respondes.

*Hay que tener en cuente el “Status Quo”.

*Siempre se para, para hacer otra acción, y eso le mata como actor. Tiene que lograr un movimiento continuado. Debe realizar sus acciones y acabarlas, llevarlas hasta el final.

*Ayúdate del texto y dale valor a lo que dices, no corras.

*No te tragues las cosas.

*Plantea el trabajo para sentir y lo actúa, sin estar “aquí”. Hace que siente y eso es una mala elección. No debe hacer que siente, todo llegará si “haces”.

*Trabaja para equivocarte. Hacerlo bien no te sirve para nada.

*Importantísimo, la lógica.

*Energía: tener algo claro y hacerlo. Observarse, utilizar la imaginación, buscar, complicar el trabajo, desarrollar, crecer.

*No se de debe esperar a que el profesor/a nos saque las castañas del fuego con el “NO SÉ”, porque nos lleva a la pasividad. Es un arma de defensa en vez de ataque. Debería ser, “NO SÉ”, pero soy yo el que quiere saber. Si ”no sabes” ponte a buscar. El modo de asimilar un problema es buscándolo. El profesor no puede enseñarte a actuar, eres tú. Depende de uno mismo que se desarrolle como artista o se detenga. Estás aquí para saber. Siempre vas a tener algo para mejorar.

*¿Que tenéis que decir de la obra?

*¿En qué época se desarrolla?

*¿Cuándo fue escrita?

*¿De qué habla la obra?

*La edad de los personajes.

*Descripción del carácter del personaje. ¿Cómo es?

*¿Que Status Social tiene el personaje?

*¿Que tienes tú del personaje? ¿y que no tienes?

*¿Que conflicto hay en la escena?

*Se debe asimilar el texto.

*Huir de la autocompasión.

*Cuando se está trabajando la escena en clase no hay que estudiar, se debe estudiar antes o después.

*Hay que escuchar el texto, lo que se está diciendo, y lo que los demás personajes dicen.

*La importancia de la utilización de la imaginación. Tenemos la mala costumbre de complicarnos la vida imaginando sobre lo imaginado, cuando lo que tendríamos que hacer es utilizarla sobre una base real, una base lógica.

(Para un niño una escoba puede ser un caballo, pero la escoba es real).

La imaginación es lo que ayuda a un actor/actriz, la fantasía no. Lo interesante sería vivir lo que te pasa en el escenario como una experiencia real. Entender lo que le pasa al personaje, recibir y relacionar lo que a ti te pasa.

*Otra de las cosas que hemos observado es la mala utilización de la técnica Uno de los ejemplos mas típicos es la de hacer por hacer, sin saber porqué se hace. No se lleva un razonamiento lógico. No hagas y luego busques las razones.

(Vas a la estación a coger un autobús concreto, no cualquiera, a no ser que quieras hacerlo a propósito, pero ya no es defecto, es selección, intuición).

*EL TEXTO COMO FUENTE DE INFORMACIÓN.

Cuando un texto no es fluido los actores/actrices están muy pendientes de él, con lo cual nos resta libertad de creación, de movimiento, de juego.

Un ejercicio para llegar a saber la fluidez del texto es pasarlo a la ITALIANA. Pasar el texto mecánicamente. Texto totalmente fluido.

Si el texto es fuente de información -Autor, Director, Imaginación (Experiencia)-, que ménos que saber lo que dices, y por lo tanto saber lo que haces.

TEXTO - ACCIÓN - REACCIÓN-.

Cuando no sepas que hacer, busca en el texto.

DIVIDE - SELECCIONA - RELACIONA.

¿Como estudiar el texto?

La expresión del texto no debe ser monótona, plana. Es importante trabajar con las imágenes en el estudio. Ver las imágenes, tus imágenes, tu sueño de escena cuando estudias el texto, porque te abre al personaje, con lo que también te abre posibles caminos para trabajar y te ayuda.

Preguntas técnicas del texto que se deben tabajar:

¿Qué dice? ¿A quien lo dice? ¿Por qué lo dice? ¿Para que lo dice? ¿Qué no dice?

*Las metas. Antes de afrontar un trabajo, tenemos que hacernos unas preguntas, plantearnos las metas de nuestro trabajo.

-Cual es la meta como actor.

Que es lo que queremos trabajar como actores.

-Cual es nuestra meta como personaje.

Que es lo que queremos conseguir como personajes en la escena. Cual es nuestro objetivo.

Para hacer todas estas elecciones tenemos que hacer el análisis del texto. El análisis del texto es personal y todos son válidos. Todo lo que hagamos en la escena tiene que ir dirigido a conseguir nuestros objetivos, nuestras metas; podemos hacer todo lo que queramos pero con ese fin.

También tenemos que tener en cuenta que un arma esencial para nuestro objetivo es el texto. Es la esencia de la escena. El texto a través de lo que nos expresamos, mucho mas que los sentimientos, no hay que hacerlo nuestro enemigo, puesto que es nuestro mejor aliado. la única forma de decirlo es con el impulso que tengamos en el momento.

*Debido al menosprecio general que se tiene al texto:

-El texto es nuestra mejor arma para conseguir lo que queramos.

-Intentamos que el texto lleve todo un mundo que hay detrás.

-Es nuestra obligación como actores/actrices decir el texto tal y como está escrito.

*En nuestro trabajo aquí:

-No se trata de que salga todo lo que has estudiado. Simplemente somos conscientes de que está. No se puede estudiar al tiempo que se actúa. El actor no puede trabajar con veinte mil datos, porque así no está libre al actuar.

-Tampoco se trata de repetir aquí lo que salga en los ensayos. Estos sirven para encontrar cosas internas de los personajes.

*Los pensamientos. “Un pensamiento crea un carácter y un carácter crea un destino”. Según pensemos, así es nuestra vida. Antes de cada acto siempre hay un pensamiento.

Tenemos que llenar la vida del personaje y de la escena de pensamientos, puesto que son los pensamientos los que nos dan la vida. La manera de pensar en el escenario marca el comportamiento.

Siempre que estando en el escenario pensemos como personajes (qué estoy haciendo, qué he hecho, que tengo que hacer, que me dice el otro…) nos evitará pensar como actor (esto no me sale, no sé que hacer, no me viene el sentimiento…) puesto que esto nos bloquea. Si ocurriera que nos vienen pensamientos como actor cabe la posibilidad de traspasar esos pensamientos al personaje (no se qué hacer como actor - el personaje no sabe qué hacer).

*Cómo atacar una escena. Antes de comenzar la escena tenemos que tener claras nuestras metas. Las elecciones tienen que ser rápidas, hay que arriesgarse a equivocarse, de las equivocaciones se aprende. Hay que determinar como actores/actrices donde está nuestra concentración: de donde o/y a dónde voy. Que es lo que ha sucedido en la escena anterior, que es lo que quiero en la escena, a donde quiero ir. Nuestro pensamiento puesto en algo. La concentración tiene que estar puesto en algo muy concreto de acción. No se puede entrar de golpe en la escena, hay que ir poco a poco, teniendo cuidado con las emociones. Hay que ir ha hacer, no ha sentir, las emociones vienen solas. No hay que perseguir las emociones, hay que llenarse de pensamientos, de aquí vendrán las emociones. Si nos concentramos en la emoción nos bloquea. Hay que trabajar con lo que a uno le pasa, no con lo que le debería de pasar.

*La profesión determina gran parte de nuestra vida, hay que darle la importancia que tiene a la profesión del personaje.

*La autocompasión no sirve de nada. Los personajes no lo hacen.

*Para no anticipar, hay que poner el foco en otra parte, así siempre habrá sorpresa.

*Todo lo que se haga tiene que ser lógico. Si hiciéramos algo ilógico y nos diésemos cuenta, tenemos que dar el punto de vista.

*Lo mas importante del actor/actriz es la intuición, siempre hay que seguirla.

*Siempre que decimos algo es para comunicar algo, no dejamos de perseguir  hasta recibir que la otra persona ha recibido.

*A la hora de acercarnos al personaje, tenemos que encontrar en qué se nos parece y en que se diferencia de nosotros el personaje. Tenemos que ir trabajando y solucionando estas cosas una a una.

*Ante lo que está pasando en escena, relaciono cada uno de los pensamientos con mi deseo, para que se vaya acumulando todo y suba la tensión dramática. De esta manera, al darle una importancia a cualquier acción, siempre trabajaremos con lo que está pasando aquí y ahora y nada quedará casual ni trabajaremos con una idea sino con lo que hay.

Asimismo, antes de hacer algo, debemos obligarnos a tener un pensamiento para poder hacerlo. Esto podría quedar reducido al siguiente esquema:

ACCIÓN——-PENSAMIENTO——-REACCIÓN

La reacción generada siempre tendrá una dirección que será la que nuestro deseo le confiere. Es importante saber si lo que haces está de acuerdo con lo que has elegido. Si tienes una intención y no consigues lo que querías, persigue hasta quedar satisfech=.

*Debido a la tónica general de hacer la obra como una tragedia y a los personajes tristes y melancólicos, sin ilusiones y deprimidos:

-El drama sólo lo ven los espectadores y el director pero los personajes no lo viven como tal.

*Los impulsos. Debemos dejarnos llevar por nuestros impulsos dentro de lo que hemos elegido. Son magníficos. Un impulso es espontaneo, natural, orgánico. Aprovechémoslos y aprendamos a usarlos dentro de la situación elegida, también es posible que nos equivoquemos, pero por lo general suelen ser efectivos.

*El deseo. El deseo es la espina dorsal de la escena. Con el deseo claro no te pierdes.

Persigue lo que quieres. ¿Que pasa si no lo consigo?

*¿Como atacar la escena?

Al empezar la escena hay que contar con todo lo que ha ocurrido antes. MOMENTO O HISTORIA ANTERIOR: ¿Que ha pasado?, ¿de donde viene?, ¿a donde va?…

*A veces tendemos a cambiar los objetivos actanciales sin una resolución concreta, que nos llevan a “la dispersión”, a no conseguir nada. Debemos cambiar cuando hallamos resuelto una cosa determinada, resuelto hasta nuestra satisfacción.

En este trabajo de resolución para con el personaje, hay que estudiar, analizar detalle a detalle la situación y unirla a nosotros mediante una vivencia personal que nos active emocionalmente, que nos toque zonas sensibles, para que la respuesta tenga cuerpo, ojos, voz, sea ORGÁNICA.

En esta apreciación hay que subrayar la importancia de los ojos y la voz como vías de máxima expresión del ser humano y por tanto del actor. Ojos, como luz, como actitud del personaje en que caminamos, ojos que a veces hablan y otras desean ocultar aquello que no pueden. Voz como resultado psicofísico de un impulso, impulso generador de una acción, en este caso sonora. Sin olvidar por supuesto “el cuerpo” que acompaña y alberga.

A la hora de elegir aquellas cosas que nos activen emocionalmente, cada persona tenemos que buscar aquello íntimo y personal que nos funciona, que produce en nosotros una significación especial que nos hace reaccionar.

El texto, el mundo del personaje, todas las situaciones establecidas… al pasar por el filtro de nuestra personalidad, de nuestras propias necesidades, crea un carácter, exclusivo, único y diferente al de cualquier otro actor/actriz.

*El personaje en su ser encierra miles de actitudes, experiencias, ideas… Dándole así una dimensión humana al personaje, con recuerdos, ilusiones, manías. No creando un prototipo.

*La importancia de la comunicación. ¿Que quiero? ¿Por qué? Que quiero conseguir con una frase, con una palabra determinada: DIRECCIÓN, concentrándose en comunicar a la otra persona (personaje) o al público, y no a uno mismo. Es un juego que se comparte para disfrutarlo, trabajando sólo no cero escena, ni participo de nada.

*Espero una provocación y reacciono. Como en la vida: reacciono a algo, no a nada.

*Tenemos que defender a nuestro personaje, y amarlo, no podemos ponernos en contra de él/ella, tenemos que buscar las justificaciones necesarias. Porque sino el resultado es impersonal, se crea un distanciamiento evidente entre el personaje y el actor. Y además se nota mucho si se le tiene manía, o piensas tal o cual cosa sobre él/ella. Es decir, no juzgues a tu personaje, compréndelo y enamórate de su realidad.

*El estado de ánimo es un resultado, su producción es siempre indirecta. Un personaje conscientemente tiene que saber qué hace y qué piensa, el “qué siente” tiene que dejarlo surgir.

*En el trabajo de aprendizaje se debe tener un lenguaje técnico común. Aclaración de los términos:

-ANTECEDENTES: Es lo que acaba de ocurrir, elementos mas inmediatos.

-HISTORIA ANTERIOR: Puede ser mas amplia temporalmente.

-SITUACIÓN ESTABLECIDA: Es lo que el protagonista quiere cambiar, está totalmente relacionado con el conflicto.

*El deseo. Elección de algo físico y concreción.

El trabajo que el actor/actriz tiene que realizar en una clase no es la de “hacer una escena” para los demás. Tiene que VENIR CON UN DESEO. El reto es hacer la escena TU, que te pase a TI, que haya deseo. (Date cuenta de que se eres actor/actriz, tienes que ser dueño de lo que haces porque vas a tener que repetirlo muchas veces).

LA ELECCIÓN DEL DESEO. El deseo debe ser algo muy FÍSICO, PALPABLE, que te active, que lo note el cuerpo. Cuando el cuerpo siente la necesidad de algo, se pone en funcionamiento y va a por ello, con la respiración, con todos los sentidos dirigidos a conseguirlo.

*Compromiso con el trabajo. El teatro nace de la necesidad de la gente de mirarse a sí misma. Los actores/actrices HACEN posible eso, y para ello, lo primero que deben hacer es mirarse a sí mismos: ACTOR/ACTRIZ: Elige lo que está en juego para ti, mírate, IMPLÍCATE ya TU con esa situación.

*Urgencia. En situación imaginaria, los personajes están en situación límite, ya no hay tiempo, cada momento que pasa es peor.

*Un problema común en todos los actores/actrices es la falta de contacto consigo mismo (están en el aire, hacen pero no hacen…) y la perdida de energía (normalmente porque está mal encaminada).

Lo natural es estar en contacto contigo. ¿Cómo una persona puede estar en contacto, romper y aparentar que está?. Nuestro cuerpo respira, siente, padece… Somos un instrumento, todo eso lo rompemos para entrar en contacto con pensamientos confusos, equivocados y no nos damos cuenta que buscamos algo que ya poseemos y pretendemos localizarlo ¡dios sabe donde!

Cada uno/a debe aprender la forma de no desconectar, la forma de estar en una situación imaginaria.

*Hay que darle mucho valor al “no hacer nada”, porque si lo conseguimos, cuando hagamos algo saldrá muy limpio.

La escena se da como resultado de lo que haces realmente.

Trabajar = Hacer Preparar = Hacer

Ser actor/actriz = Hacer Ensayar = Hacer

*Un actor/actriz debe darse cuenta de lo que hace para poder repetir después.

*La personalidad y la responsabilidad son los dos pilares que mantienen la actuación.

*Desarrollate a partir de lo que tienes.

*Expresión, comunicación y conocimiento, eso es el Arte, eso es el Teatro.

*Hay que disfrutar haciendo, la meta es pasarlo bien y si no lo consigo es que algo va mal.

*Cuando pones una mueca de sonrisa, llanto, gran disgusto… estás mucho más cerca de sentir aquello orgánicamente.

*El cuerpo siempre tiene que estar alerta. Respirar, escuchar el aquí y ahora con todo, con el sudor, con las manos, con la ropa, con el aire…

*Es muy importante tener la conciencia de lo que en verdad el cuerpo está haciendo y comunicando.

*No se pueden actuar ideas.

*Tampoco hay que trabajar precipitadamente, hay que darse tiempo.

*Cuando no sepas que hacer: respira.

*La pregunta es el arma del actor/actriz:

1.-Quien soy (contacto contigo): -Protagonista - deseo.

              -Antagonista  - actividad.

2.-Donde estoy: -Lugar.

 -Relación emocional con el lugar.

3.-Cuando (Tiempo).

4.-Con quien estoy: -Relación social.

       -Relación emocional.

5.-Historia anterior (antecedentes).

6.-Que acaba de pasar: (Status Quo) Situación establecida.

7.-Que quiero (deseo): -Superobjetivo

-Objetivo: Por que quiero.

    Para que.

    De quien.

    Que es lo peor si no lo consigo.

8.-Que hago.

9.-Que digo (trabajo texto): Que no digo.

       A quien digo.

       Para que digo.

       Por que digo.

*El trabajo del actor/actriz consta de dos partes:

-Consigo mismo.

-Con el personaje.

 

Nota final: Partiendo de unas premisas técnicas, cada cual tiene que crear su propio método de trabajo.